Bonjour à toutes et à tous.

Chronique manga aujourd’hui, avec une série SF en cours, La cité Saturne, scénarisée et dessinée par Hisae Iwaoka, aux éditions Kana. Je m’y suis intéressé tout d’abord pour son thème de hard science, découvrant alors une œuvre singulière, poétique par le ton et le fin graphisme noir et blanc, bien plus portée sur l’humain que la technologie. 

La Terre est devenue une zone protégée, interdite aux humains, qui habitent un immense et large anneau entourant la planète bleue. La série raconte la vie de Mitsu jeune adolescent de la classe populaire, qui entre dans le guilde des laveurs de vitres, comme son père, disparu dans un accident. Dans l’esprit du jeune garçon, il serait tombé sur Terre.
Travaillant à l’extérieur de l’anneau, ils nettoient les immenses baies vitrées des appartements luxueux. L’anneau est en effet  divisé en trois étages, inférieur, médian et supérieur.
Petit à petit, Mitsu devient un laveur de vitres compétent. Et pourrait bien être le pilote de l’engin que prépare dans le secret un petit groupe pour atteindre la Terre…

N’attendez aucun récit palpitant, aucune audace graphique qui vous arrache les yeux, aucun personnage dévoré d‘ambition, romantiquement violent. Hisae Iwaoka nous raconte simplement la vie et l’évolution de quelques habitants de l’anneau, qui finalement reproduit fidèlement la société japonaise.
Très juste du point de vue social et humain, cette auteur n’en néglige pas pour autant son sujet. L’anneau est souvent présent, presque obsédant visuellement. Tout comme le lecteur, les personnages se posent des questions sur la Terre, simple paysage fait de nuages, de mers et de côtes plus ou moins anonymes. L’envie d’y aller voir n’occupe pas l’esprit de chacun, une autre vie s’est installée en orbite basse. Même si l’anneau commence sérieusement à se dégrader dans sa structure, qu‘il faut entretenir sans grand moyens…
Seul quelques personnes veulent aller sur Terre, se posent des questions sur le vrai sens de l’anneau.

C’est là je trouve la force de ce manga, l’exploration d’une société, qui même dans l’espace demeure la même, le Japon moderne. Paradoxalement, la vie des habitants est même moins empreinte de technologie que le japon d’aujourd’hui. L’existence y semble plus simple, dans un cadre où l‘espace est compté, tout comme sur l‘archipel nippon. La voiture est un luxe par exemple.
D’un autre côté, il aurait été possible d’inventer d’autres types de sociétés, d’autres rapports entre les gens. C’est même ce que l’on peut attendre d’une œuvre de SF.
Mais La cité Saturne se situe clairement comme une métaphore de la vie terrestre. Le récit ne se déroule pas dans les premiers temps de l’anneau, mais bien après. Les rapports sociaux de dominés à dominants ont repris le dessus, en supposant même qu’ils aient disparu un moment ; rapports complètement exprimés par l’architecture de l’anneau.

Au-delà de l’entrelacement des divers personnages, des relations de Mitsu avec ses collègues, jeunes et anciens, qu‘il serait trop long de raconter ici, la relation ambigüe entre laveur de vitres appartenant à l’élite du prolétariat de l’anneau et clients aisés est une partie importante du récit, vraiment constitutif de l’anneau.
Logeant dans de gigantesques volumes, où vitent un enfant seul, une ancienne prostituée, une vieille dame, de jeunes mariés, un inventeur, les occupants de la partie supérieure de l’anneau paient pour redonner de la lumière à leur lieu de vie. Parfois le gigantesque logement est agrémenté d’un aquarium avec le dernier exemplaire d’un mammifère marin terrestre. Toujours il exprime un mode de vie, une solitude.
Les laveurs de vitre, dont Mitsu, sont successivement des domestiques, des amis, des confidents, de vagues employés ou beaucoup plus. La cité Saturne invente ainsi les relations inexistantes dans la vie réelle entre laveur de carreaux de buildings et employés.
L’espace alors diffère de la vie terrestre.

Si vous avez envie de lire un manga différent de Planètes, Albator ou Akira, empreint d’une douceur narrative attirante, alors plongez-vous dans la lecture de La cité Saturne d’Hisae Iwaoka. Aurons-nous le fin mot de l’histoire au tome six ? Mitsu parviendra-t-il à descendre sans encombre sur Terre ? Retrouvera-t-il son père ? Mystère…
Gulzar

Toujours sur le blog Mon écran radar, un article sur Google... Entre délire proche de la démence et vision d'avenir radieux, faite votre choix.

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Bonjour à toutes et à tous.

Aujourd’hui, chronique d’un très bon long métrage délicieusement SF, que je viens de revoir, Monstres et Cie, réalisé par Pete Docter, produit par les studios Pixar studios, sorti en 2001. Très officiellement film pour enfants, il est en vérité hautement recommandable pour tous âges.

Des monstres d’élite, travaillant pour l’usine Monstres et Cie, franchissent chaque nuit les portes des placards des enfants terriens et y récoltent leurs cris de terreur, source d’énergie nécessaire à la florissante ville de Monstropolis. Mais voilà que les enfants ont de moins en moins peur des monstres, menaçant le niveau de vie des habitants de Monstropolis, habitués à être entourés de tout le confort matériel.

Pire même, une gosse s’est introduit dans l’univers des monstres, ce qu’ils craignent par-dessus tout. Sulli, le monstre le plus productif, et son assistant Bob se retrouve à devoir s’occuper d’elle en attendant de la renvoyer dans sa chambre. Mais Leon le caméléon, le concurrent direct de Sulli,  a d’autres projets pour la pauvre enfant, baptisée Bouh par Sulli qui se prend d’affection pour elle.

Je ne vous raconte pas toutes les péripéties et trouvailles, Monstres et Cie étant d’une grande richesse scénaristique, aux personnages bien écrits dans leur physique et caractère, dont les interactions surtout sont savoureuses. La morale finale consistant en une véritable révolution. Les monstres découvrent qu’ils obtiennent plus d’énergie en faisant rire les enfants qu’en les effrayant.

Dans Monstres et Cie, nous retrouvons le formidable et jouissif travail esthétique numérique, déjà vu dans le premier Toy story, sans pour autant en être à une volonté de perfection glacée non réfléchie. Tout comme dans Wall-E, les humains, en l’occurrence les gosses et leurs chambres sont traités de manière douce, alors que l’usine Monstres et Cie est d’un réalisme métallique saisissant. Quant aux monstres eux-mêmes, leurs tronches sont vraiment réussies, notamment par l’utilisation des yeux, des dents, de chaque détail physique comme la fourrure par exemple. Chacun est immédiatement identifiable.

Narrativement, Monstres et Cie est véritablement enthousiasmant, à mon sens pour trois raisons principales.  
D’abord pour la fusion des deux thèmes centraux du film, sans quoi l’histoire n’a aucun sens, l’énergie et la peur infantile des monstres tapis dans l‘ombre des placards. Métaphore de la politique pétrolière des USA, Monstres et Cie dit tout simplement que ce pays, et d’autres aussi d’ailleurs, terrorisent pour contrôler la production du pétrole… Sans même aller aussi loin dans l’analyse politique, la recherche, la conquête et la maîtrise de l’énergie, du feu de bois aux atomes, constitue un axe fort de l’évolution de l’espèce humaine. Baser un film de divertissement pour gamins sur ce thème, c’est déjà avoir la volonté de ne pas raconter n’importe quel type d’histoire.
La peur infantile des monstres, n’est rien d’autre que la peur adulte de manquer d’énergie, d’essence pour la voiture, de chauffage, d’électricité pour le réfrigérateur.

Ensuite, avoir industrialisé l’activité de terreur rend le film contemporain, réinventant intelligemment les contes d‘autrefois. Les scènes se passant dans la gigantesque réserve de portes sont très impressionnantes, les lieux étant semblables à touts ces zones de triage et stockage aériennes, des bagages des aéroport, aux grandes imprimeries et entrepôts.
Nous sommes bel et bien en pleine parodie de l’activité humaine, avec ce souci de productivité. Même si toutefois, Monstres et Cie ne nous décrit pas le propriétaire de l’usine comme avare, soucieux d’argent, mais plutôt dans la peur de voir mourir l’entreprise familiale, faute de pouvoir récolter suffisamment d’énergie. Exactement comme les grandes compagnies pétrolières sont vouées à disparaître à terme, faute de pétrole. Que seraient-elles donc prêtes à faire pour durer le plus longtemps possible ? La réponse est au journal de vingt heures…

Monstres et Cie montre clairement que le drame arrive, que les barrières morales tombent lorsque la promesse faite aux consommateurs risque de ne plus pouvoir être tenue. Les habitants de Monstropolis ne s’imaginent même pas abandonner leur niveau de vie matérialiste. Si l’énergie venait gravement à manquer, que ce passerait-il socialement ? La population ne se retournerait-elle pas contre Monstres et Cie ?
Le sujet n’est pas abordé dans le film, mais il est sous-jacent. La peur ne règne pas que dans les chambres d’enfants…

Toutefois, la critique sociale s’arrête là où commence le libéralisme… Nous sommes plus dans la dérive de l’entreprise familiale devenue trop grande, ne voulant à aucun prix perdre sa grandeur, sa puissance, plutôt que dans la dénonciation franche d‘un système inégalitaire.
Ceci dit, cela n’empêchera pas le patron de condamner cyniquement son meilleur employé Sulli à l’exil sur terre, dans les sommets glacés, où nous apprendrons la vraie nature du yéti, réjouissance parmi d‘autre de Monstres et Cie. Les monstres ne sont que des salariés bon à jeter s’ils se rebellent ou sont inutiles.

Enfin, Monstres et Cie se conclut sur une morale véritablement formidable, faire rire les enfants au lieu de leur faire peur permet de récolter bien plus d’énergie. Morale positive, mais pas niaise et surtout ancrée dans le récit, puisée à la source même de l’histoire. L’idée certes est simple, mais ne provient de nulle part ailleurs.
Quand au dernier plan, il est magnifique, ouvrant sur un monde de joie, d’émouvantes retrouvailles entre Sulli et la petite Bouh.

Pour finir de nous rendre Monstres et Cie sympathique, il comporte des clins d‘œil au jazz, à la France, comme dans de nombreuses productions SF venant d’Amérique du Nord, et à Ray Harryhausen, fameux animateur de films SF des années 50, 60, ainsi qu‘à d‘autres productions de Pixar.
Formidable dessin animé donc, pour tou(te)s les passionné(e)s de Science Fiction, de monstres et de bonnes histoires.
Gulzar

Un site pour refaire connaissance avec les personnages de Monstres et Cie :

http://www.pixar-planet.fr/perso/monstresetcie.php3

Bonjour à toutes et à tous.

Aujourd’hui, double chronique avec deux films de Fumihiko Sori, réalisateur de films d’animation SF au modernisme affiché. Le ton, le jeu des personnages est froid, très cérébral, mais les thématiques sont intéressantes, le graphisme de haute volée.

Vexille
De Fumihiko Sori, 2007, 109 mn

Ce qui frappe immédiatement au visionnage, c’est la radicalité du scénario. Pas de compromis dans l’idée, poussant à l’extrême la robotisation en cours au Japon, où plutôt son androïsation extrême.
Le monde entier a interdit la recherche sur la robotique, de peur de voir l’arrivée d’une vie synthétique. L’entreprise Daiwa rejette cette interdiction, prend le pas sur l’état japonais. Nous assistons à la tentative furtive de l’ONU d’entrer dans un archipel complètement fermé sur lui-même, n’exportant plus que des robots. La vérité sera terrible à admettre. Le japon a été rasé, aplani afin de récupérer toutes les ressources naturelles.

Des japonais, il n’en reste plus. Ou si peu, des rescapés enfermés dans un ghetto sur le site de Tokyo, voués à être transformé en androïde métallique par un vaccin artificiel censé protéger la population, injecté sur ordre du gouvernement.

La résistance s’organise, afin de pénétrer et détruire l’île dans la baie de Tokyo, siège de la société Daiwa productrice de robots, responsable du génocide.

C’est la brutalité même de cette surexploitation de la nature, de la prise de contrôle d’un pays entier par une société privée sans autre but que le profit, de la disparition d’une peuple entier qui constitue l’intérêt du film.
À vrai dire, je suis resté tétanisé durant le premier visionnage sur dvd. J’ai eu la chance de pouvoir revoir récemment le film sur grand écran, le même sentiment d’absolutisme dans la folie industrielle m’est revenu. Dans la première partie du film, Fumihiko Sori parvient à rendre crédible, palpable le génocide économique d’une population entière, trop croyante dans le progrès technologique, sans plus de repères.

Vexille vient donner un relief particulier à la présente situation catastrophique du Nord du Japon. Un parallèle peut se faire entre nucléaire civil et nanotechnologie vendue comme médicale et qui n’est que moyen de contrôle et transformation d’une population.

Tant dans la fiction que la réalité, la vie humaine ne tient plus qu’à un fil. Tant dans la fiction que la réalité, la population japonaise restent sans réaction, passive, soumise à l’autorité, quelle qu’elle soit.

Vexille raconte aussi, en le poussant dans ses derniers retranchements, la hantise de l’étranger dans la société japonaise, non pas au sens du touriste toujours le bienvenu, mais de la présence d’immigrés, l’impossibilité de quitter l‘archipel pour un ailleurs. Le destin du pays se joue sur ces quatre îles, bastion refuge, citadelle interdite au regards extérieurs.
En un sens, Vexille est une métaphore d’un Japon du 21ème siècle encore dirigé par les militaristes au pouvoir durant la dictature militaire qui n’a fini qu’après la capitulation d’août 1945, après avoir entraîné le Japon dans un désastre sans précédent. Une ère du Meiji qui n’aurait pas connu d’interruption, n’aurait retenu aucune leçon historique, uniquement préoccupé de la gloire de l’Empire, quelque soit le prix à payer pour la population.
Vexille avec son esthétique futuriste s’inscrit pleinement dans l’Histoire du japon, ce qui lui donne cette solidité narrative, cette profondeur angoissante, cette véracité humaine que l‘on à peine à croire mais que l‘on ressent comme possible.

Contrebalançant de manière inattendue l’extrême sévérité de Vexille, un hommage évident est rendu aux vers peuplant la planète Arrakis de Dune, à travers ces vers composés des débris métalliques qui vivent sur la surface atrocement plane du défunt Japon.

La bête furieuse et destructrice sera l’instrument de la salvation finale. Elle apporte cette part de fantastique, de divinités animales si présentes au Japon, qui vient tempérer la réalité matérielle terrible d’un japon réduit à néant par un productivisme, une industrialisation à outrance.

La toute fin me semble un peu trop portée sur la grosse bagarre à mon goût, alors que l’ensemble du film baignait dans une ambiance tendue, dans des problématiques insolubles et terribles. Sans doute l’influence du producteur dirons-nous, soucieux de capter le public adolescent…
Faire également qu’un seul individu, un savant fou, soit au final responsable d’un tel désastre peut aussi apparaître comme une narration quelque peu légère, malgré le fait qu’il ne s’agit pas là comme attendu d’un androïde mais d’un humain cachant sa nature de fragile animal à sang chaud.
Néanmoins, nous sommes là dans d’évidentes références historiques, Hitler petit brun rabougri vantant la solide race aryenne blonde aux yeux bleus, l’Empereur Hiro-Hito descendant de son statut de demi-dieu pour devenir le symbole d’un Japon militariste invincible défait par l’ennemi. Simplement, nous perdons le fil d’enjeux économiques et sociaux qui sont à la base du film, mais qui heureusement apparaissent clairement dans la première moitié.

Vexille reste, malgré une fin à mon sens plus banale, un formidable film de SF, radical, contemporain et d’une forte esthétique, hautement recommandable pour tout(e)s passionné(e)s du genre.

Chronique sans illustrations, car je n'ai pas trouver d'images de grande taille... 

Orbital - To
De Fumihiko Sori, 2009, 87 mn
Deux épisodes d’environ 40 mn, extraits d’une œuvre SF japonaise, Saga 2001 nuits d'Hoshino Yukinobu.

Œuvre suivante, une nouveauté sortie en début d’année en France sous forme dvd, Orbital, ou To en japonais, Fumihiko Sori nous propose deux moyens métrages, inspirés du manga d’une œuvre SF japonaise, que je n’ai pas lu.  

 

Malgré des similitudes graphiques évidentes dans la grande qualité de réalisation et le dessin des personnages, le ton et la sensation que dégage Orbital à son visionnage est bien différent de celui de Vexille.
Nous ne sommes plus dans une angoissante vision d’un futur apocalyptique, mais dans une œuvre aux thèmes classiques, superbement revisités esthétiquement.

Dans le premier moyen métrage, Orbite elliptique, une station spatiale civile en orbite terrestre envoi du ravitaillement à la base lunaire. Un vaisseau cargo revient d’un long voyage avec dans sa soute une fabuleuse source d’énergie, extraite d’une mine lointaine. La station spatiale est attaquée. Les deux équipages résistent, tentent de sauver la cargaison de ses ravisseurs.
L’histoire d’amour entre le responsable de la station orbitale et la capitaine du vaisseau prendra à la toute fin une conclusion surprenante et finalement logique avec la découverte du voyage à la vitesse de la lumière. Je vous en laisse la surprise...

Dans le second moyen-métrage, Planète symbiotique, l’Humanité cette fois colonise d’autres systèmes solaires. Sur une planète, deux petites colonies reproduisent les vieux conflits venus de Terre. Une histoire d’amour a lieu entre deux jeunes gens des deux colonies adverses, amour interdit. Les paysages et animaux exotiques sont vraiment très beaux, plongés dans une blancheur quelque peu étouffante.
Le jeune amoureux, un chercheur, se trouve contaminé par une entité bactérienne métallique, qui le transforme, en fait l’adapte à la planète.

Le personnage de cosmonaute âgé, venu tenter une réconciliation entre les deux partie,s tire les conclusions philosophiques de l’histoire. Est-ce l’humain qui a colonisé la planète, ou la planète qui a colonisé l’humain ?

Je n'ai pas trouvé d'images du second moyen-métrage, mais voici une petite bande-annonce.

www.we-prod.com/v3/catalogue/longsmetrages/orbital/orbital.php

Esthétiquement, ce qui caractérise Orbital est véritablement son rythme, lent, loin de toute ambiance stressée. L’arrimage des vaisseaux, les batailles dans le vide, tout se fait à vitesse quasi réelle, avec ce rythme qui s'associe si bien avec l'Espace, loin de l'agitation terrestre. L’on retrouve l’ambiance des films  et série SF qui savait prendre leur temps. La poésie du design des vaisseaux, station, bâtiments peut alors agir pleinement. Pour tout fan de SF, c’est un vrai régal, pour un jeune public, le rythme pourra peut-être provoquer de l'ennui.

Avec ces deux histoires classiques, Orbital est bien plus un hommage à une SF assez contemplative qu’une exploration intrépide des futurs possibles de l’Humanité. Fumihiko Sori n’apporte aucune idée neuve, surprenante, puisqu‘il respecte sans doute les scénarii de l’œuvre originale dont il s‘inspire.

Cela peut constituer peut-être une déception, mais il me semble que ce diptyque ravit tout de même les yeux, et fait preuve d’humanité, loin du larmoyant et du moralisme de bas étage.

Gulzar